El Laboratorio está detrás de 1,2,3…Casa, un proyecto para Aldeas Infantiles SOS que ha contado con la colaboración de Icíar Bollaín. Se trata de una acción de branded content basada en un corto de diez minutos que trata de mostrar el duro trabajo que realiza día a día esta ONG y, además, concienciar sobre la necesidad de seguir obteniendo los recursos necesarios para llevar a cabo esta gran labor social.
La campaña convencional, que incluye televisión, radio, prensa y exterior, dirige al espectador a la web www.undostrescasa.org, donde puede ver íntegra la pieza y colaborar con la ONG.
Fuente: Anuncios.com
jueves, 27 de diciembre de 2012
jueves, 20 de diciembre de 2012
ING Direct estrena un corto interactivo solidario
A través de su proyecto “ING Chances for Children”, la entidad financiera ha ayudado a escolarizar a más de 700.000 niños desde 2005, y cada Navidad lanza una campaña solidaria para recaudar fondos.
De la mano de OgilvyOne, el nuevo trabajo, que llega avalado por el éxito de las ediciones anteriores, que consiguieron recaudar más de 300.000 euros para UNICEF cada año, está centrado en un corto de animación. Titulado “El monstruo que no dejaba ir a los niños al colegio”. Se trata de una producción interactiva, que se puede ver en www.elmonstruo.org, y en la que el espectador tiene un papel fundamental: es el encargado de acabar con el monstruo y hacer posible que los niños puedan ir por fin a la escuela.
El internauta debe elegir entre cuatro finales posibles y enviar un mensaje desde su teléfono móvil con su favorito. Una vez enviado y en tiempo real, el internauta puede ver cómo el corto continúa con el final seleccionado y el monstruo es derrotado. Con este mensaje los participantes estarán realizando una donación a favor de Unicef España, ya que el coste íntegro del SMS, 1,20 euros, se ingresará en una cuenta de la organización.
El estreno del cortometraje, que cuenta con su propio trailer en internet, va acompañado además de una serie de acciones en redes sociales, con el hashtag #elmonstruo.
La campaña del pasado año, “Llévalos a la escuela”, fue recientemente galardonada con el Gran Premio del Festival Inspirational 2012 y reconocida en el Congreso Anual de la Asociación Española de Fundraising, por su originalidad, eficacia e innovación en la captación de fondos a favor de una organización solidaria. Sólo con la acción de 2011 se recaudaron más de 368.000 euros para el programa ING Chances for Children, que la entidad bancaria desarrolla
Fuente:Marketingnews.es
jueves, 13 de diciembre de 2012
Smirnoff se pone en pie de “guerrilla” y llena la ciudad de São Paulo de grafitis nocturnos
Arte callejero, publicidad exterior y marketing de guerrilla son los tres ingredientes de la nueva campaña de la marca rusa de vodka Smirnoff en Brasil. En esta nueva acción publicitaria, Smirnoff se une al ejército de marcas que, como Stella Artois y Converse, están apostando ya por los muros de los edificios de áreas urbanas como lienzos artísticos y publicitarios.
Para llevar a cabo esta nueva campaña, bautizada con el nombre de “La noche esconde mucho más de lo que te imaginas”, Smirnoff ha reclutado a varios grafiteros de Acidum Group para pintar originales murales sobre los edificios de la ciudad de São Paulo. Sin embargo, sus grafitis no son pintadas al uso. Son “grafitis vampiros” y están hechos con pintura especial que sólo brilla por la noche.
Con esta original acción, Smirnoff pretende hacer hincapié en su pasión por el arte y el mundo de la noche, presente ya en otras campañas de la marca de vodka.
Los grafitis nocturnos de Smirnoff representan imágenes de moscas gigantes y de misteriosas criaturas con cuerpos y rostros humanos. Su objetivo es promocionar la edición limitada de vodka Smirnoff Ice Night, un vodka único cuya botella brilla en la oscuridad y que se distribuye únicamente en unos pocos clubes nocturnos de varias ciudades brasileñas.
Para reforzar su nueva campaña grafitera, Smirnoff ha lanzado también una aplicación en Facebook que permite al usuario pintar un grafiti que sólo puede leerse en la oscuridad y compartirlo con sus amigos en esta red social.
Fuente de la noticia: Marketing Directo
Arte callejero, publicidad exterior y marketing de guerrilla son los tres ingredientes de la nueva campaña de la marca rusa de vodka Smirnoff en Brasil. En esta nueva acción publicitaria, Smirnoff se une al ejército de marcas que, como Stella Artois y Converse, están apostando ya por los muros de los edificios de áreas urbanas como lienzos artísticos y publicitarios.
Para llevar a cabo esta nueva campaña, bautizada con el nombre de “La noche esconde mucho más de lo que te imaginas”, Smirnoff ha reclutado a varios grafiteros de Acidum Group para pintar originales murales sobre los edificios de la ciudad de São Paulo. Sin embargo, sus grafitis no son pintadas al uso. Son “grafitis vampiros” y están hechos con pintura especial que sólo brilla por la noche.
Con esta original acción, Smirnoff pretende hacer hincapié en su pasión por el arte y el mundo de la noche, presente ya en otras campañas de la marca de vodka.
Los grafitis nocturnos de Smirnoff representan imágenes de moscas gigantes y de misteriosas criaturas con cuerpos y rostros humanos. Su objetivo es promocionar la edición limitada de vodka Smirnoff Ice Night, un vodka único cuya botella brilla en la oscuridad y que se distribuye únicamente en unos pocos clubes nocturnos de varias ciudades brasileñas.
Para reforzar su nueva campaña grafitera, Smirnoff ha lanzado también una aplicación en Facebook que permite al usuario pintar un grafiti que sólo puede leerse en la oscuridad y compartirlo con sus amigos en esta red social.
Fuente de la noticia: Marketing Directo
martes, 11 de diciembre de 2012
Flux
Qué: festival de vídeo de autor
Cuándo: desde hoy hasta el sábado 15
Dónde: Barcelona (Arts Santa Mònica)
Por qué es nuestra apuesta del día:
Porque desde hoy y hasta el sábado se celebra en Barcelona la séptima edición de este certamen, que alcanza así un número de abundancia bíblica, dedicado a la videocreación en todas sus encarnaciones. La cita, plural por naturaleza, suele tener no obstante un núcleo de autores de referencia: este año son Harmonía Carmona, Jesús Ramos y Germán Celso. Los tres serán objetos de proyecciones monográficas, mantendrán coloquios y estrenarán sus autorretratros, obras inéditas que les ha encargado el festival. La idea es conseguir una visión de conjunto, trascender lo divulgativo, contextualizar las obras en un caudal común al conjunto de la obra de cada autor, que es generosamente radiografiado.
El programa ofrece igualmente la videoinstalación colectiva Flux VideoCapsa, de carácter experimental en cuanto al formato de exhibición, y que se compone de vídeos inéditos de Borja Alexandre & Sus Garcia, Florencia Aliberti, Núria Antentas, Neus Ballús, Irene Coll, Andy Davies, Pedrín García, Daniel Miracle, Èric Palaudàries y Eva Vilamala. En la inauguración actuará Macarena Recuerda Shepherd con su espectáculo "That’s the store of my life".
Flux 2012
Fuente: Zona de obras
Cuándo: desde hoy hasta el sábado 15
Dónde: Barcelona (Arts Santa Mònica)
Por qué es nuestra apuesta del día:
Porque desde hoy y hasta el sábado se celebra en Barcelona la séptima edición de este certamen, que alcanza así un número de abundancia bíblica, dedicado a la videocreación en todas sus encarnaciones. La cita, plural por naturaleza, suele tener no obstante un núcleo de autores de referencia: este año son Harmonía Carmona, Jesús Ramos y Germán Celso. Los tres serán objetos de proyecciones monográficas, mantendrán coloquios y estrenarán sus autorretratros, obras inéditas que les ha encargado el festival. La idea es conseguir una visión de conjunto, trascender lo divulgativo, contextualizar las obras en un caudal común al conjunto de la obra de cada autor, que es generosamente radiografiado.
El programa ofrece igualmente la videoinstalación colectiva Flux VideoCapsa, de carácter experimental en cuanto al formato de exhibición, y que se compone de vídeos inéditos de Borja Alexandre & Sus Garcia, Florencia Aliberti, Núria Antentas, Neus Ballús, Irene Coll, Andy Davies, Pedrín García, Daniel Miracle, Èric Palaudàries y Eva Vilamala. En la inauguración actuará Macarena Recuerda Shepherd con su espectáculo "That’s the store of my life".
Fuente: Zona de obras
martes, 4 de diciembre de 2012
El videoarte trágico de Elizabeth Price gana el Premio Turner
El jurado del siempre polémico premio ha distinguido su instalación de vídeo en alta definición
Un premio con vocación de jaleo
La pujanza de los trabajos audiovisuales y su creciente presencia en las programaciones de los museos han tenido una plasmación en el influyente Premio Turner, concedido esta noche a la londinense Elizabeth Price por una instalación de videoarte que narra el trágico incendio en unos grandes almacenes de Manchester en 1979. Contra todo pronóstico, esta artista de 45 años ha logrado derrotar a los monumentales dibujos de Paul Noble, que partía como favorito, y a la gran proyección mediática de la artista de perfomance Spartacus Chetwynd.
La edición número veintiocho del galardón reportará a Price una dotación de 25.000 libras (cerca de 31.000 euros), además de la importante proyección que procura el Turner a sus receptores (artistas menores de 50 años y que hayan nacido o trabajen en Reino Unido). Su victoria ha supuesto una enorme sorpresa, porque incluso las pocas quinielas que sugerían un premio en el apartado audiovisual primaban la candidatura del director escocés Luke Fowler, autor de un documental de 93 minutos sobre la figura del controvertido psiquiatra escocés R. D. Laing (1927-1989).
En su vídeo de alta definición The Woolworth’s Choir of 1979, Price entrelaza grabaciones reales sobre el cruento suceso acaecido en Manchester (que se cobró la vida de diez personas) con imágenes de arquitectura eclesial gótica y secuencias de Internet. Los potentes sonidos de su banda sonora van creando un ambiente de creciente tensión y dramatismo en una narración heterodoxa y minuciosamente editada. Si la factura recibió muchos elogios, la pretensión de la autora de reflexionar sobre la cultura de desechos en un mundo material resultó menos convincente entre la crítica, aunque no entre los jueces responsables del veredicto final.
A pesar de la acogida que han merecido sus dibujos de metrópolis fantásticas y extrañas, miniaturas colosales ejecutadas con detalle y precisión, el londinense Paul Noble acabó finalmente apeado. Era el único de los cuatro seleccionados que utiliza un formato tradicional en su trabajo y, a pesar de la complejidad de su narrativa, el único nombre capaz de suscitar unanimidad. Quizá el hecho de que el año pasado ya venciera un candidato de consenso (Martin Boyce) jugara en su contra, porque el Turner suele hacer gala de provocar reacciones encontradas.
El nuevo auge del arte de la performance que eclosionara en los años sesenta ha tenido su representación en el Turner con la también londinense Spartacus Chetwynd, protagonista de una meteórica carrera y también de un amplio reportaje que la revista dominical de The Times le dedicó en vísperas de la concesión del premio. Los visitantes de la Tate Britain, el museo que desde principios del otoño y hasta el 6 de enero expone los trabajos de los cuatro finalistas, han asistido entre sorprendidos y divertidos a las actuaciones en vivo y de tono carnavalesco de Chetwynd (cuyo nombre de pila real es Lali) y su troupe.
Fuentes: El País
Un premio con vocación de jaleo
La pujanza de los trabajos audiovisuales y su creciente presencia en las programaciones de los museos han tenido una plasmación en el influyente Premio Turner, concedido esta noche a la londinense Elizabeth Price por una instalación de videoarte que narra el trágico incendio en unos grandes almacenes de Manchester en 1979. Contra todo pronóstico, esta artista de 45 años ha logrado derrotar a los monumentales dibujos de Paul Noble, que partía como favorito, y a la gran proyección mediática de la artista de perfomance Spartacus Chetwynd.
La edición número veintiocho del galardón reportará a Price una dotación de 25.000 libras (cerca de 31.000 euros), además de la importante proyección que procura el Turner a sus receptores (artistas menores de 50 años y que hayan nacido o trabajen en Reino Unido). Su victoria ha supuesto una enorme sorpresa, porque incluso las pocas quinielas que sugerían un premio en el apartado audiovisual primaban la candidatura del director escocés Luke Fowler, autor de un documental de 93 minutos sobre la figura del controvertido psiquiatra escocés R. D. Laing (1927-1989).
En su vídeo de alta definición The Woolworth’s Choir of 1979, Price entrelaza grabaciones reales sobre el cruento suceso acaecido en Manchester (que se cobró la vida de diez personas) con imágenes de arquitectura eclesial gótica y secuencias de Internet. Los potentes sonidos de su banda sonora van creando un ambiente de creciente tensión y dramatismo en una narración heterodoxa y minuciosamente editada. Si la factura recibió muchos elogios, la pretensión de la autora de reflexionar sobre la cultura de desechos en un mundo material resultó menos convincente entre la crítica, aunque no entre los jueces responsables del veredicto final.
A pesar de la acogida que han merecido sus dibujos de metrópolis fantásticas y extrañas, miniaturas colosales ejecutadas con detalle y precisión, el londinense Paul Noble acabó finalmente apeado. Era el único de los cuatro seleccionados que utiliza un formato tradicional en su trabajo y, a pesar de la complejidad de su narrativa, el único nombre capaz de suscitar unanimidad. Quizá el hecho de que el año pasado ya venciera un candidato de consenso (Martin Boyce) jugara en su contra, porque el Turner suele hacer gala de provocar reacciones encontradas.
Fuentes: El País
jueves, 29 de noviembre de 2012
El cantecito de Veneno se consagra
El Ministerio de Educación y Cultura encumbra con el Premio Nacional de Músicas Actuales la obra de uno de los grandes impulsores de los sonidos mestizos
A veces la calle gana la partida. Kiko Veneno, un buscavidas de ritmos y emociones que coló sonidos marginales, pelín denostados, a ratos transgresores, entre las piezas imprescindibles de la banda sonora de la democracia, ha dado un paso más hacia la consagración oficial. Con 60 años cumplidos, el artista que ondeó la bandera de lo alternativo (¿o no es underground cantar a una bata de guata barata?), que descubrió el flamenco en un viaje a Estados Unidos y ya nunca se desprendió de él, que hacía mestizaje antes de que las modas mercantilizasen la fusión y que escribía canciones de amor en las que flotaban pelos en la bañera, recibió el Premio Nacional de Músicas Actuales.
La noticia le pilló haciendo proselitismo: Veneno acababa de dar una charla y unos cantes a los alumnos de un instituto sevillano. “Es... un día muy bueno. Estoy muy agradecido, es un reconocimiento al trabajo que he hecho con mucha gente, tal vez es inmerecido para mí, pero merecido para muchos”.
Sin lugar a dudas: Kiko Veneno ha ganado la partida y ha logrado que esa singular manera de hacer música, brava y nada acomodaticia, haya entrado en el pequeño parnaso de esenciales españoles aunque eso le haya costado años y algunos himnos (Volando voy, Reir y llorar, Está muy bien eso del cariño, En un Mercedes blanco). Antes de los premios (tardíos: las instituciones tienen alergia a los espíritus impredecibles), los críticos ya habían dicho cosas rotundas de él, como que había cambiado el curso de la música española en varias ocasiones.
La primera vez que José María San Feliu (Figueres, Girona, 1952) lo hizo fue en 1977, con su primer trabajo, Veneno, en colaboración con los hermanos Raimundo y Rafael Amador. Una leyenda. Un fracaso. Nadie entendió aquello: Veneno se fue a montar un chiringuito a Conil de la Frontera (Cádiz) para buscarse la vida, aunque la aventura hostelera apenas duró dos años. El cantecito tiraba más. Hoy Veneno se considera una frontera que el rock traspasó.
En 1992 Kiko Veneno demostró que no era músico de un solo disco.Échate un cantecito, compuesto en estado de gracia, no tuvo que afrontar una cuarentena antes del reconocimiento y se convirtió en un éxito. Dos décadas después —está inmerso en plena gira conmemorativa, que el sábado le llevará a Valencia— habla sin modestia impostada: “Lo veo magnífico, maravilloso, tener la suerte de poder juntar diez canciones tan bonitas que hablan con mucho convencimiento de sentimientos que le pasan a la gente”. Porque si algo no ha cambiado durante sus 14 discos ha sido su fe ciega en que las canciones cuentan historias y que la música está llena de senderos inexplorados. El último que ha encontrado se llama Sensación térmica y saldrá en 2013.
Fuente: El País
martes, 27 de noviembre de 2012
Bid 12
Qué: Bienal Iberoamericana de
Diseño
Cuándo: Semana inaugural desde ayer, lunes 26 hasta el próximo viernes 30. La exposición se podrá visitar hasta el 28 de febrero de 2013.
Dónde: Matadero Madrid - Central de Diseño
Porque se trata de una cita imprescindible para todos los interesados en el
diseño. Esta Bienal Iberoamericana nació en 2007 –esta es su tercera edición–, y
ya se ha convertido en una de las citas más importantes de promoción del diseño
contemporáneo que se realiza en Latinoamérica, España y Portugal. La sección
expositiva incluye trabajos en diseño de interiores, industrial y de productos,
así como también en los campos gráfico, moda, textil y diseño digital,
representando a profesionales de los veintidós países iberoamericanos. Un jurado
internacional –integrado entre otros por Leimei Julia Chiu, Giancarlo Latorraca
y Steven Heller– se encargó de la lista de artistas seleccionados y otorgará los
seis grandes premios BID en las categorías Innovación, Diseño y empresa, Diseño
para todos, Diseño para el desarrollo, Sostenibilidad y Comunicación visual.
Durante esta semana habrá conferencias, talleres, debates, foros y el IV
Encuentro de Enseñanza y Diseño, con los objetivos de que el diseño pueda unir
tradición y futuro y ser dinamizador de realidades complejas como las de los
países que forman parte de la BID.Cuándo: Semana inaugural desde ayer, lunes 26 hasta el próximo viernes 30. La exposición se podrá visitar hasta el 28 de febrero de 2013.
Dónde: Matadero Madrid - Central de Diseño
Por qué es nuestra
apuesta del día:
Más información: BID 12
Fuente: Zona de obras
jueves, 22 de noviembre de 2012
Los mapas que redibujan el mundo
CaixaForum Madrid exhibe obras de 140 artistas en una exposición dedicada a las cartografías contemporáneas.
FOTOGALERIA Cartografía del mundo
La cartografía, la ciencia que documenta y representa el mundo, ha ejercido
siempre una gran fascinación entre los artistas. La América invertida,
de Joaquín Torres García, una radical versión de la importancia del Sur, es uno
de los muchos ejemplos de como la cartografía sirve para representar el
territorio, pero también es utilizada para dar rienda a propuestas políticas o
mostrar situaciones físicas, mentales y emocionales. Una sorprendente
exposición, Cartografías contemporáneas. Dibujando el
pensamiento, que mañana se abre al público en Caixaforum-Madrid, cuenta como el hombre ha perseguido siempre
reproducir el mundo para controlar la realidad en que vive, como ha sido la
evolución de ese empeño y, sobre todo, como los grandes artistas han convertido
la cartografía en una forma de expresión de primer orden.
La exposición reúne 140 obras (dibujos, videoinstalaciones, arte digital)
firmadas por artistas de todo el mundo. Salvador Dalí, Paul Klee, Marcel
Duchamp, Yves Klein, Gordon Matta-Clark, Richard Hamilton, Mona Hatoum o Richard
Long, Artur Barrio, Carolee Schneemann,Ana Mendieta, Erick Beltrán, On Kawara,
Alighiero Boetti, Thomas Hirschhorn o Francis Alÿs, son algunos de los artistas
más conocidos. También hay piezas realizadas por escritores o científicos, como
Ramón y Cajal, Carl Gustav Jung o Lewis Carroll. El autor de Alicia
cuestiona el lenguaje con un mapa dedicado a la tripulación cuyo interior está
vacío: un no-mapa como el no-cumpleaños.
Helena Tatay, comisaria de la exposición, explica que aunque los primeros mapas que se guardan proceden del siglo XVII, el hombre los ha necesitado siempre para moverse frente a lo desconocido, frente al caos de la vida. El mapa sirve para representar el espacio, pero también para hablar de sentimientos, deseos y experiencias vitales.
Consciente de que el género en sí es inabarcable y la selección forzosamente subjetiva, Tatay ha dividido la exposición en siete apartados en los que manda la cronología, aunque no siempre. La primera está dedicada al puro lenguaje cartográfico. En ella se describe como la reducción de la tierra a una imagen gráfica en dos dimensiones se convirtió en una revolución técnica y cultural gracias a la que se transformó la percepción de la realidad. Junto a las primeras representaciones de este nuevo saber científico, se muestra como el lenguaje cartográfico fue utilizado por los surrealistas o por los artistas conceptuales.
Helena Tatay, comisaria de la exposición, explica que aunque los primeros mapas que se guardan proceden del siglo XVII, el hombre los ha necesitado siempre para moverse frente a lo desconocido, frente al caos de la vida. El mapa sirve para representar el espacio, pero también para hablar de sentimientos, deseos y experiencias vitales.
Consciente de que el género en sí es inabarcable y la selección forzosamente subjetiva, Tatay ha dividido la exposición en siete apartados en los que manda la cronología, aunque no siempre. La primera está dedicada al puro lenguaje cartográfico. En ella se describe como la reducción de la tierra a una imagen gráfica en dos dimensiones se convirtió en una revolución técnica y cultural gracias a la que se transformó la percepción de la realidad. Junto a las primeras representaciones de este nuevo saber científico, se muestra como el lenguaje cartográfico fue utilizado por los surrealistas o por los artistas conceptuales.
Viene después el espacio entendido como tiempo. El espacio es una metáfora
representada hasta la saciedad en el ámbito de lo privado y de lo público. De
los espacios mentales situados fuera del tiempo hablan artistas como Giovanni
Anselmo, Robert Smithson o Milan Grygar. Los mapas se despliegan después por la
política, el cuerpo, la experiencia y la vida, lo intangible y lo conceptual. Es
todo un recorrido en el que se replantea el modelo de conocimiento convencional
y se invita al espectador a redibujar el futuro.
Fuente: El País
Fuente: El País
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